B级片（B-movie），指在低预算下拍出来的影片，因为预算不足，所以品质不是很好。B级片通常没有大明星，但类型则是大家喜欢的，剧情常与牛仔、黑帮、恐怖题材有关。不少动作恐怖片是B级片，虽然它们不算名作，但是在流行娱乐文化里就像Kuso Game一样，B级片仍有其影响力。
简史
B级片经济大萧条的产物，30年代初的3年，每周观众人数从1亿1000万降到6000万，电影公司为了赢得观众推出双片（double bill）的放映制度，基本上就是一部正片加一部B片。1935年10月RKO和MGM在自己的一线影院推出双片放映，算是B片正式登台，一年之内四分之三的影院都采纳了双片制。原来的影院，一晚上一般是一部正片，一部新闻片，一部卡通片加预告片打成一个包，现在把卡通什么的升级成一部70分钟左右的低成本正片，算是吸引观众的方法。B就这么出现了，至于为什么叫B，没有统一的说法，有人说是A/B，就是double bill的两部片子。也有说是Bottom of the bill等等。
B级片其实很受影院的欢迎，尤其是在南方。这是因为那些大片在分帐上影院是亏的，片子卖得越好，电影公司提成越多，到最狠的卖座片可以留一成给影院。但是B级片是一次付清的，一般成本是7万美元，电影公司赚1万，电影院想怎么放怎么放。南方的电影观众受教育程度普遍比较低，所以看Lubitsch的片子反而不如情节简单俗套的电影更过瘾。电影院会在周中放映单片，而把周六晚上完全送给B级片。
美学
从美学观点看，B级电影本质上来说是现实主义的，即接近日常生活和反映社会的，它和使人忘记现实进入梦幻世界的好莱坞（Hollywood)式奢华影片相反。正是这一点使它在观众中获得成功，特别是在乡村——这个被巨大的国家分配网络忽略的群体。B级电影意味着大众电影，放弃使人思索的企图（这并不能妨碍它有自身的立场，并因此有自己的倾向），这类电影的目的是娱乐性的，涉及现实题材，或是敏感的、论战式的主题……这类产品不使用“味同嚼蜡的语言”。它不仅吸引观众，同时也受到无数电影人的青睐。
生产
B级片的生产可以分成体系内和体系外的。
一般大片场都有B unit，由专人负责。Paramount是Sol C. Siegel，Warner是Brian Foy，MGM是Lucien Hubbard和Michael Fessier，Columbia是Irvin Briskin，Fox是Ben Stoloff和Sol Wurtzel。Wurtzel这个名字读着好像worse，所有有个笑话叫“from bad to Wurtzel”。可见B片之B。
片场的B unit的基本工作感觉比较像块抹布或者海绵，把那些overhead全吸走。一般B片的B可以从员工，故事，成本，周期等来看。演员一般要么是过气的，要么就是没名气的。比如Bela Lugosi，30年代就开始B了，可见他衰落的有多快。Wings里的男主角Richard Arlen，也是B片老手。新人就不用说了，无数明星都在B片干过，反正都是合同工嘛。导演，编剧也一样， William Wyler, George Stevens，E Dmytryk, Fred Zinnemann, Jacques Tourneur, Jules Dassin，Mark Robson，Robert Wise，Anthony Mann。从这点说，片场有自己的一套培养人的体系。不过也不乏永远培养不出去的B片专业户。偶尔B片还有一个作用，就是教育一些脑子突然进水的人，比如 Bogart就被罚过。
B片故事当然也是直接非常老套的公式化生产，片场比较常见的就是把自己的片子改改背景就上了。毕竟B片的准备时间只有一到两周。很多时候就是为了利用别的片子的场景，比如Magnificent Ambersons的房子就被用到了Cat People里。B片为了省钱，还大量利用片场现成的素材，有时候会刻意让角色的穿着去跟某些影片剩下来的素材匹配。拍摄周期就更短了，一般就是一个星期。毕竟经费少，利润空间也小，定死了的一万多，补拍两下就赔本了，很多时候就是拍到哪里算哪里。
独立制片的公司其实从成本，拍摄上都跟大片场类似，经费甚至更少。没有现成布景利用，常常就是一个场景用背投解决一切。30年代的小片场起起伏伏后，到 40年代形成了三个主要的片场：Republic，Monograph，和PRC (producers releasing corporations)。像Edward G Ulmer就是在PRC。他说他们通常是一次想出几十个电影的名字，就把这一年要拍的片子定下了，然后在往名字里塞故事。比如他看了Billy Wilder的Double Indemnity，就想出了一个Single Indemnity，不过，片子拍完了后，还是把名字改了。Ulmer还利用John Ford的Hurrican拍摄后剩下的200颗棕榈树模型拍摄了一个大饭店的古巴版：Club Havana。比起大片场体系内的B片，Ulmer觉得独立制片的B片创作自由度更大，除了经费问题，他们从来没有遇到过其它对内容的控制。经费怎么影响呢？比如一个服务生的角色，如果没有对白，就是16块5，如果他说了一句thank you，就是25。为了省这8块5，编剧/导演就得设计点情况让角色比如嗓子坏了啥的，不能说话。
Monogragh的主要手法是拍系列片，他们有个牛制片，叫Scott Dunlap，此人特别能打头炮，一部片子卖好了，接着就粗制滥造一批同系列影片，靠着头一部的名声卖钱。Monogragh还有一个自己的准B unit，专拍B片中的B片，负责人是Sam Katzman，Bela Lugosi在系列里廉价重复自己。惊悚片是B片专长，Monograph的负责人是Kings三兄弟。
独立制片公司自己没有院线，他们利用州里的规定在附近影院找到稳定的放映渠道。后来做得比较大如Republic和Monograph也在大城市设自己的发行代理。不过大部分公司还是依靠本地的关系户。
后来Republich破产，PRC经过一系列购并后被UA买走，Monograph更名成Allied Artists，逐渐走大片路线，50年代后它既支持Roger Corman的低成本B片，也能投资Billy Wilder和William Wyler的影片。Godard的Breathless美国发行权就被Godard象征性的送给了Monograph。
传统意义上的B片生产在50年代初解体。曾经占全国人口7成的电影观众，从57年已经减到4000万，到70年代减到2000万。电视开始播出自己制作的系列惊悚片或者西部片，制作者往往就是老B片的制作者们。B片影人面临选择，他们中的一部分投诚进入了电视行业。
电视的生产非常接近B片。生产周期短，这让电视台首先想到了B片制作者。事实上，Republic标榜的5万美元成本电视也可以拿出来，只是电视台的制作周期更紧凑。资深B片导演如Lesley Selander，Joseph Kane，Lew Landers都很自然的进入电视生产，电视制作人对他们的评价是：unexciting but always reliable。到后来电视电影的出现实际上是彻底的将B片移植了过来。
另一部分B片制作者开始开发新的B片，包括William Castle和Sam Kazman组合，Albert Zugsmith（此君被大部分记住是因为他之前是Written in the Wind，Tarnished Angel，Touch of Evil等经典影片的制片）, Samuel 和 James Nicholson (两人在55年建立了AIP)，当然还有Roger Corman。尽管观众人数在下降，依然有很多潜在观众群大片场不愿意开发。比如汽车影院，这里的观众普遍是年轻人。新的B片主要针对teen america挖掘市场。科幻，恐怖，飞车，吸毒外加狂欢是常见主题。这时候的B片成本不超过10万美元，发行宣传费用大约相当。为了发片，各种耸人听闻的手段都用了，在观众座椅下接电极，穿着骷髅服在观众席间走，售卖意外心脏病保险……
1970年Roger Corman因为跟AIP在Gas-s-s-s的剪辑上吵翻，自己创立了New World，以exploitation movie著称，比如护士系列和女监系列。Corman也曾短暂开发过黑人系列，但是放弃了，因为觉得这10％的观众划不来。他的销售经理总结说，影片的成功有7成在片名和宣传。Big Bird Cage的宣传语是“Women so hot with desire they melt the chains that enslave them”，Fly Me是“See stewardesses battle kungfu killers”。
New World在拍摄上坚持着40年代B片的风格，比如Peter Bogdanovich的影片Targets，其实是因为Boris Karloff欠Corman一些工时，为了扯平弄出来的。而The Terror是因为影片The Raven比计划提前两天拍完，为了不浪费而拍出来的。Hollywood Boulevard则完全是个赌注，公关经理Jon Davison说他可以用公司以前拍过的最便宜的片子的三分之一的钱拍一部片子，结果，就出来这么一部Godzilla和Fly一起客串的片子。 Roger Corman亲自指导编剧，给他们整个框架。Jonathan Kaplan说拍Night Call Nurses时，Corman跟他开了一个工作会议，会上Corman列出了详细的需要遵守的概要：要利用男性观众的性幻想；打斗和暴力要充足；要有两条故事线，一条偏喜剧，一条要反应偏左的自由派价值观。正面裸体必须腰部以上，背裸可以全身，绝对不能出现阴毛，片名要在影片里被利用上。
对于60年代和70年代的好莱坞电影有着重要影响的老一辈导演中，有些人开始转向所谓B级片的拍摄工作。
这里所说的B级片是指那些投资少，耗费小的影片，这些影片绝大多数采用好莱坞电影的传统样式，当一场电影放映两部片子时，B级片就相当于另一部片子的加片。
这类B级片在好莱坞的历史上曾经起过不可低估的作用：由于这类影片主要是为商业目的拍摄的，不为人们所重视，因此导演们有时反而可以比较自由地进行创造，而在拍摄较大规模的片子时，他们是没有这种自由的。
“第二故事片”之所以往往很有感染力并能引起观众的共鸣，是因为在拍摄这些影片时没有人在旁边监督……。电影评论界从来不重视这些影片，电影制片厂的领导更不把他们当作一回事，因此B级片导演进行工作时的气氛不像他们的许多在投资高得惊人的影片中担任导演的同事们那样紧张。
罗杰 科尔曼，塞缪尔 富勒和堂 西格尔，也许还有巴德 鲍蒂歇尔，都可以算是60年代的B级片导演。
暂且简短地介绍两位重要的导演：罗杰 科尔曼是位一直从事B级片拍摄工作的导演。科尔曼甚至被人称为B级片的最高纪录保持者，因为他在1954年至1964年的十年期间总共拍摄了60部影片。他的活动涉及多种影片样式，他拍摄过西部片，也拍摄强盗片，但是他的专长似乎是拍摄富于幻想色彩的恐怖片，例如他的处女作《恐怖小店》以及一些根据埃德加 爱伦 坡的作品改编的影片，如:《厄舍古厦的倒塌》，《陷井与钟摆》，《红色死亡假面舞会》，《乌鸦》等。在60年代，罗杰 科尔曼的重要作用还在于他是一些青年导演所拍摄的影片的制片人和赞助者，他在这方面所起的作用可能比他本人作为B级片导演的作用更为重要。
对于爱看美国电影的人来说，塞缪尔 富勒是一个使他们着迷的人物。他经常被人称为“精力旺盛的导演”，称为“斗士”，在今天的电影界，这样的“斗士”已经快绝迹了。他的偏爱是所谓的黑色电影。他曾经亲自在影片《疯狂的小丑》中担任角色，并说电影就是他的战场。众所周知，让 吕克 戈达尔曾经对他高度赞扬，并邀请他在自己的影片《狂人皮埃罗》中客串一个角色。
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